Alexey Buldakov/ «Thumbelina».. Алексей Булдаков/ «Дюймовочка»

….

19 March - 19 April

Christie’s auction house, Moscow

..

19 Марта - 19 Апреля

Аукционный дом Christie’s в Москве

….

….  Ink, watercolor, tracing paper, 2019  ..  Тушь, акварель, калька, 2019  ….

….

Ink, watercolor, tracing paper, 2019

..

Тушь, акварель, калька, 2019

….

….

Alexey Buldakov’s “Thumbelina” project is co-hosted by Smart Art consultancy and V-A-C Foundation’s publishing department. The exhibition is timed to coincide with the release of the same-titled book that starts a new line of work for V-A-C press with books for children publication program. The series of graphic works by Alexey Buldakov provides a fresh take on the story of Hans Christian Andersen. As a result, the scenes well-remembered from a young age cause brand new feelings.

Buldakov treats the Danish writer’s tale as a story about cross-species interaction tying it together with the topics he often explores in his art. Those topics include the spontaneous autogenesis of life, cohabitation of animals and plants next to humans, i.e. the key problems studied as part of the Urban Fauna Lab.

The “Thumbelina” subtly transforms traditional fairytale matrimonial motifs into questions about cross-species interaction and interbreeding of human-like beings with other species. It brings to mind Thumbelina’s potential wedding with a toad at first, then with a bug, a mole, and finally her bonding with an elf (another inhuman creature). Basically, Thumbelina herself is not a human, she was born from a seed, and that makes her a real homunculus artificially bred by magic. One of the most common “recipes” of growing people among medieval alchemists was also based on the use of a kind of seed – the human semen. Being an offshoot of vegetable seed, Thumbelina brings together both the animal and vegetable world.

Buldakov strays off the long-established traditions of depicting the tale’s characters. His Thumbelina is much older than the rest of the host of good-looking child-like girls created by previous generations of illustrators. In his version, the marriage is no longer an abstraction seen through the lens of children’s perception. Instead, it is rationally granted the status of a social step that is synonymous with the post-puberty period. Thumbelina makes a long journey through the planetary envelopes, passing through the hydrosphere, the atmosphere, the biosphere, and the geosphere, from the water to the sky and underground in order to obtain wings in the end, moving to a superhuman angel-like existence.

In Buldakov’s telling animals also get changed. They lose their usual anthropomorphic features, lose their clothes and no longer cause tender feelings. The artist focuses on usually overlooked details of the tale.  His interpretation sheds light on non-obvious aspects, and together with the artist, we go all the way from magic to hybrid genetic modifications and in vitro fertilization, from animism and anthropomorphism of European romantics to posthumanism and interspecific symbiosis.

The illustrations were made with the use of an experimental technique based on the aesthetics of error and random fluctuations of picturesque effects that appear during the interaction of watercolor and ink on wet tracing paper. The sophistication of color transitions, the subtlety of light perception and watercolor tenderness go polarly side by side with semi-infernal nuances and somewhat sinister mood. Color rendering of the human body traces its origin to German expressionism and French Fauvism, while the characteristic sharpness of contrast effects is almost completely dispersed in the transparency of tracing paper.

The series of tales is scheduled by V-A-C press as a longstanding project as part of the books for children program. It aims at restarting the abandoned Soviet tradition of books for children being illustrated by artists who play a key role in the development of the art of their time. In the USSR for such big names of unofficial art as Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Oleg Vasilyev or Viktor Pivovarov, it was a necessary measure that allowed them to survive despite the marginal position of their work among the dominant social realism. Today, this forgotten practice serves as a direct way of transferring cutting-edge artistic practices to the visual cultural field created by adults for children, and their tactful adaptation for a young audience.

..

«Дюймовочка» Алексея Булдакова — совместный проект консалтинговой компании Smart Art и издательского отдела фонда V-A-C в Аукционном доме Christie’s в Москве. Выставка была приурочена к выходу одноименной книги, открывающей новое направление деятельности V-A-C press — программу изданий для детей. В серии графических работ Алексея Булдакова знакомая с детства история Ханса Кристиана Андерсена прочитывается художником по-своему, а знакомые с детства сцены наполняются свежим чувством.

Художник трактует сказку датского писателя как историю о межвидовом взаимодействии, что напрямую перекликается с важными для его творчества темами — самозарождение жизни, обитание животных и растительных видов рядом с человеком, функционирование экосистем, — то есть ключевыми проблемами, изучаемыми в рамках Лаборатории Городской Фауны, масштабного междисциплинарного исследовательского проекта Алексея Булдакова.

Традиционные сказочные матримониальные темы в «Дюймовочке» незаметно перетекают в вопросы о межвидовом взаимодействии и скрещивании человекоподобных существ с иными видами — вспомним потенциальную свадьбу Дюймовочки сначала с жабой, затем с жуком, с кротом, а также итоговое соединение с эльфом, то есть еще одной нечеловеческой сущностью. Да и сама Дюймовочка по сути не представитель людского рода, она — человек, выросший из семечка, то есть настоящий гомункул, искусственно выведенный магическим путем.

Один из наиболее распространенных «рецептов» выращивания людей в время как Дюймовочка — плод семени растительного, в ней растительный и животный мир соединяются.

Булдаков отходит от давно сложившихся традиций изображения персонажей этой сказки: его Дюймовочка гораздо старше других представительниц сонма инфантильных миловидных девочек, порожденных предшествующими поколениями иллюстраторов. В его версии бракосочетание перестает быть абстракцией, преломленной сквозь линзы детского восприятия, и рациональным путем переводится в статус социального шага, ассоциирующегося с постпубертатным периодом. Дюймовочка совершает длительное путешествие по планетарным оболочкам, проходя путь через гидросферу, атмосферу, биосферу и геосферу, из воды в небо и под землю, чтобы в финале обрести крылья и перейти к сверхчеловеческому ангелоподобному существованию.

Животные у Булдакова также меняются, они теряют привычные нам антропоморфные черты, лишаются одежды и уже не вызывают умиления. Внимание художника фокусируется на ранее не зафиксированных традицией моментах сказки, его интерпретация выводит на первый план неочевидные темы, и мы вместе с художником проходим путь от магии к гибридным генетическим модификациям и искусственному оплодотворению, от анимизма и антропоморфизма европейских романтиков к постгуманитаристике и межвидовому симбиозу.

Иллюстрации созданы в экспериментальной технике, базирующейся на эстетике ошибки и случайных флуктуациях живописных эффектов, которые возникают при взаимодействии акварели и туши на влажной кальке. Деликатность колористических переходов, тонкость восприятия света и акварельная нежность полярно соседствуют с полуинфернальными нотами и порой зловещими настроем. Цветовая лепка человеческого тела восходит к немецкому экспрессионизму и французскому фовизму, но характерная резкость контрастных эффектов почти полностью рассеивается в прозрачности кальки.

Сказочная серия V-A-C press запланирована как многолетний проект в рамках детской издательской программы, возобновляющий прерванную советскую традицию иллюстрирования детских книг художниками, которые играют ключевую роль в становлении искусства своего времени. Но если в СССР для мастеров неофициального искусства, таких как Илья Кабаков, Эрик Булатов, Олег Васильев или Виктор Пивоваров, это было вынужденной мерой, позволявшей выживать вопреки маргинальному положению их творчества в среде господствующего соцреализма, то сегодня эта забытая практика — прямой способ переноса наиболее актуальных художественных практик в визуальное поле культуры, которую взрослые создают для детей, и деликатная их адаптация для детской аудитории.

….

….  Anastasia Karneeva with the work “For the moth”. Tracing paper, ink, watercolor, 2018.  ..  Анастасия Карнеева и работа “За мотыльком”. Калька, тушь, акварель, 2018.  ….

….

Anastasia Karneeva with the work “For the moth”. Tracing paper, ink, watercolor, 2018.

..

Анастасия Карнеева и работа “За мотыльком”. Калька, тушь, акварель, 2018.

….

Копия орлт.jpg
….  Ekaterina Vinokurova with the “Thumbelina” book, illustrated by Alexey Buldakov  ..  Екатерина Винокурова с книгой “Дюймовочка”, проиллюстрированной Алексеем Булдаковым  ….

….

Ekaterina Vinokurova with the “Thumbelina” book, illustrated by Alexey Buldakov

..

Екатерина Винокурова с книгой “Дюймовочка”, проиллюстрированной Алексеем Булдаковым

….

Alexandra Paperno/ «Self love among the ruins».. Александра Паперно/ «Любовь к себе среди руин»

….

 14 November – 13 December / 2018

..

14 ноября – 13 декабря / 2018

….

….  “Abolished constellations" and Umbra Pictura  ©Anastasia Soboleva  ..  “Отмененные созвездия” и Umbra Pictura  ©Анастасия Соболева  ….

….

“Abolished constellations" and Umbra Pictura

©Anastasia Soboleva

..

“Отмененные созвездия” и Umbra Pictura

©Анастасия Соболева

….

….

“Ruins lie” Ivan Chechot

Ruin—as a space served as the point of departure for Alexandra Paperno when she prepared this project and is the central idea underpinning the exhibition as a whole. A ruin not only represents a place that is disappearing or has disappeared, but also constitutes a key image for culture in the modern period. It has become a symbol of our clustered past, a melancholy and yearning for the “golden age”, have articulated and cultivated the aesthetics of gradual decline, and virtually become the main background for European painters from the 17th to 19th centuries. By the 20th century the charm of a ruin and ruins as an idea have not gone anywhere. However, the actual concept of a ruin and the specific “ruined” state applied not so much to architecture as to major ideological and political projects and more broadly to culture, which has fallen apart on numerous occasions, only to be reassembled anew. And Paperno is working in particular with this cultural context, namely situations where culture and civilization have suddenly been transformed into an arbitrary set of strange rules and codes, whose meaning was lost a long time ago. She seeks such moments of rupture in relations and presents them with her own inimitable tenderness and irony, drawing on various artistic media.
The name of the exhibition borrowed from Bruce Chatwin is the working title of one of his essays, which plays on the widespread cliche of Victorian culture (Robert Browning’s poem Love Among the Ruins, the picture of the same name by Sir Edward Colely Buren-Jones). Self-love has been virtually the underlying framework of artistic activity adopted in the modern era. Self-love is transformed repeatedly and consequently the need for self-expression, driven by the narcissistic desire to be seen and evaluated, has been the driving force of the artistic process for centuries. Self-Love Among the Ruins represents such self-expression squared, improvisation on the topic of the main motifs, genesis and driver of painting in classical understanding of the word and is also an attempt at an ironic review of the self-determination of the artist working to some extent as the nanos gigantum humeris insidentes (dwarfs standing on the shoulders of giants).

..

Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева, Smart Art и Альфа-Банк представляют персональную выставку московской художницы Александры Паперно «Любовь к себе среди руин». Экспозиция открывается сегодня во флигеле «Руина» – бывшем здании конюшен при усадьбе Талызиных на Воздвиженке, пришедшем к концу XX века в упадок и превратившемся в настоящую руину, которая была тщательно отреставрирована с консервацией всех сохранившихся конструктивных и декоративных элементов, и с 2017 года работает как выставочное пространство Музея архитектуры.

  «Руина» стала для Паперно отправной точкой в подготовке проекта и центральным сюжетом, вокруг которого развивается вся выставка. Руина – это не только про исчезающее или исчезнувшее место, это еще и важнейший образ для культуры Нового времени. Она стала символом концентрированного прошлого, меланхолии и тоски по «золотому веку», выражала и культивировала эстетику медленного распада, стала едва ли не главным фоном для европейских живописцев XVIII - XIX столетий. К XX веку очарование руиной и руиной-как-идеей никуда не исчезло, только сам образ и специфическое «руинированное» состояние распространялось не столько на архитектуру, сколько на большие идеологические и политические проекты, и шире на культуру, которая многократно распадалась и пересобиралась вновь.

….

….  “Pictorial space” and the “Broken column”  ..  “Пространство картины” и “Сломанная колонна”  ….

….

“Pictorial space” and the “Broken column”

..

“Пространство картины” и “Сломанная колонна”

….

….

..

Паперно как раз и работает с этим культурным контекстом, с ситуациями, когда культура и цивилизация становятся вдруг условным набором странных правил, кодов, смысл которых давно потерян. Она отыскивает эти моменты обрыва связей и со всей нежностью и иронией представляет их, работая с разными художественными средствами.

….

Фламинго_2016_А. Паперно.jpg

….

“Flamingo” constellation. From the “Abolished constellation” series.

..

Созвездие “Фламинго” из серии “Отмененные созвездия”. Хлопковая бумага, тушь, графитная пудра, 2018.

….

….

..

Так, например, графическая серия на первом этаже представляет собой изображения большинства так называемых «отмененных созвездий». В 1922 году Международный астрономический союз утвердил современный список из 88 созвездий; было решено, что список станет окончательным и новых созвездий добавляться не будет. Число 88 не имеет никакого культурного или научного значения – оно случайное. Созвездия, не признанные Международным астрономическим союзом, были отменены, в их списке насчитывает более 50 имен. Или то, что видится идеальной абстрактной живописью, в которую мы привыкли всматриваться, наслаждаться цветом и динамикой, на самом деле - умноженные троекратно серые светила (триптих «Серое солнце»).

….

temerina_20181113_SmartArt_38.jpg

….

Silver print, barite paper, 2018

..

Серебряная печать на баритовой бумаге, 2018.

….

….

..

На третьем этаже музея – серия работ на тему одной из самых стабильных опор цивилизации – образования, и в частности художественного, которое давно превратилось в набор повторяющихся ритуалов, «постановок»: в серии фотографических натюрмортов Паперно выставляет идеальные композиции для урока в художественной школе, а на самом деле кажется, что это черепки, сухой остаток большой культуры.

Центральным элементом всей выставки станет сломанная колонна – скульптурный объект, пронизывающий три этажа «Руины» и представляющий собой ломающуюся колонну. Идея работы возникла из реальной истории, случившейся с французским художником Гюставом Курбе, когда он, будучи комиссаром по культуре Парижской коммуны, руководил сносом Вандомской колонны. Колонна Паперно – это ироничный знак, абсолютный перевертыш по отношению к руине, которая распространяется горизонтально, расползается, углубляется и врастает в поверхность. Здесь же белая колонна устанавливает вертикальную ось как будто игрушечного распада, при этом колонна – кстати, как и руина – один из самых устойчивых символов европейской культуры, вступает в странные отношения с «Руиной», стягивая отдельные группы работ, заставляя само пространство как будто встряхнуться и освободиться от груза смыслов, собственной истории и «нажитых» культурных контекстов.

Куратор выставки: Екатерина Иноземцева.

Место : Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева, во флигеле «Руина» (ул. Воздвиженка, д. 5/25)

….

….  Video installation of Alexandra Paperno, 2018.  ..  Видео инсталляция Александры Паперно, 2018.  ….

….

Video installation of Alexandra Paperno, 2018.

..

Видео инсталляция Александры Паперно, 2018.

….

….  “Pictorial space”  ..  “Пространство картины”  ….

….

“Pictorial space”

..

“Пространство картины”

….

….   Triptych “Gray Sun”  ..  Триптих “Серое солнце”  ….

….


Triptych “Gray Sun”

..

Триптих “Серое солнце”

….

Alexandra Galkina / Welcome under the table..Александра Галкина / Прошу под стол

….

31 October- 18 November

..

31 октября- 18 ноября

….

NATA4765by_natashapolskaya.JPG

….

“Welcome Under the Table”

By choosing a museum as her subject matter the artist explores its mission to set both actual dimensions and symbolic meanings to artworks and artists, to put them in the context of art history. The museum is sensitive to superiority ranking like no other cultural institution: the elders know best what the youngsters shall do. Welcoming the viewers “under the table”, Galkina literally demonstrates the difference between greatness and largeness. An English idiom “be knee-high to a grasshopper” has a Russian analog: “to walk under the table”. By literally doing so, a person is allowed to the world where adult conversations are heard in a different way, and where the things that were rated so high in childhood re-acquire their significance. 

 “Alexandra Galkina’s project at the Tretyakov Gallery could have become a legal and quite predictable intervention of an independent young artist to a space of high institutional rank. But her project “Welcome Under the Table” is not that predictable. It looks like a collective provocation accomplished by both the artist and the museum. At the entrance to the gallery, Sasha Galkina places an outlined Alice in Wonderland-ish construction. Perfectly visible from all museum floors, it turns the Tretyakov Gallery space with all its current exhibitions into a giant total installation. And thus an alternative scaling mechanism is been launched when such common notions as ‘top’ and ‘bottom’, ‘above’ and ‘below’, ‘low’ and ‘high’, ‘large’ and ‘small’ lose their usual meaning. It seems that now the action of this artful mechanism can be found not only in Kabakovs's ‘Where is Our Place?’ similar project. It is found everywhere, in every exhibition now displayed in the halls of the Tretyakov Gallery on Krymsky Val, and in the works of the artist herself,” said art critic Ludmila Bredikhina.

..

Выставка Александры Галкиной «Прошу под стол»,— проект, организованный совместно с компанией Smart Art и Третьяковской галерей. В центре инсталляции — уставленный посудой стол, между ножками которого может свободно пройти человек. Под столом — ноги невидимых великанов, чье присутствие подчеркивают звуки голосов и звон обеденных приборов. На соседней стене — картины и рисунки, основанные на личной биографии художника, часть которых выполнена на обоях советского времени, напоминая об оставляемых повсюду детских каракулях.

Размышляя о музее, Александра Галкина выделяет задачу масштабировать, задавать символическую величину произведениям и авторам, вписывая их в историю искусства, потому что здесь острее, чем в любом другом культурном пространстве, чувствуется иерархия старшинства: старшие лучше знают, что делать младшим. Именно эта парадигма и осмысляется в работе, представленной на выставке.

Приглашая зрителей «под стол», Галкина буквально демонстрирует разницу между величием и физической величиной. Она увеличивает бытовые вещи до гигантского размера — как будто в руках мастера оказалась волшебная палочка, преображающая находящиеся рядом предметы. Но, делая привычное невообразимо большим, художник не преследует цели вызвать у посетителя головокружение от масштабности объектов. Галкина не старается выглядеть демиургом, наслаждающимся властью над зрителями, которые оказались в положении Гулливера в стране великанов. Гигантские бытовые предметы делают человека маленьким, но не ничтожным. Пройдя «пешком под стол», он получает доступ в мир, где разговоры взрослых слышатся иначе, а так высоко ценившиеся в детстве вещи вновь обретают значимость.

….

NATA4996by_natashapolskaya.JPG
NATA4689by_natashapolskaya.JPG
IMG_7165.jpg

Sveta Shuvaeva/ Lakeview special offer .. Света Шуваева/ Последние квартиры с видом на озеро

….

5 September - 14 October 2018

..

5 сентября- 14 октября 2018

….

….  C-print  ..  С-print  ….

….

C-print

..

С-print

….

….

Lake View Limited Offer

Moscow Museum of Moder Art and Smart Art present Sveta Shuvaeva’s personal exhibition Lake View Limited Offer. The project offers a glimpse into the inner world of a lyrical character that projects itself through objects that are dear to the character’s heart, through subjects of his ethereal dreams, different reminders about life he would never get closer to. The exhibition’s name is a direct quote from an advertising campaign that promises a beautiful life. But, according to the advertisement’s manipulative message, the offer is limited, so one has to hurry.

..

Московский музей современного искусства и Smart Art при поддержке J&T bank и компании «Киноцентр» представили персональную выставку Светы Шуваевой «Последние квартиры с видом на озеро».

Проект является отражением внутреннего мира лирического героя, раскрывающегося перед зрителем через дорогие сердцу персонажа предметы, эфемерные объекты его мечтаний, разнообразные напоминания о жизни, к которой ему никогда не удастся приблизиться.

Название выставки — прямая цитата из рекламной кампании по продаже недвижимости, сулящая надежду на прекрасную жизнь. Однако, согласно манипулятивному посылу объявления, шанс успеть и получить желаемое является последним.

 

….  Anastasia Karneeva, Ekaterina Vinokurova and Svetlana Shuvaeva  ..  Анастасия Карнеева, Екатерина Винокурова и Светлана Шуваева  …

….

Anastasia Karneeva, Ekaterina Vinokurova and Svetlana Shuvaeva

..

Анастасия Карнеева, Екатерина Винокурова и Светлана Шуваева

….

The exhibition’s central feature is a labyrinth installation, an absurd public space and a paper mirage the lyrical character is immersed in. Here, his concept of an ideal home meet images of usual public spaces where everyday life goes on. Arrival hall in the airport is at the same time a garden with a spring and vegetation. A typical office with cubicles slowly morphs into a fish tank. Standard cashier windows lose their meaning in absence of an operator. Looking inside them, one can see a familiar setting of a cubicle where one can receive money, tickets, a real estate purchase agreement – everything a common customer would like to possess. But behind any of the windows, there is nobody who can give the visitor access to what he desires. Aside from the installation, the exhibition features series of photographs, graphics and paintings.

..

Центральным элементом выставки является тотальная инсталляция-лабиринт: абсурдистское общественное пространство и бумажный мираж, в который погружается воображаемый герой. Здесь в одно целое объединяются его представления об идеальном доме и образы привычных мест общественного пользования, где протекает реальная жизнь. Зал прибытия в аэропорту с лентой досмотра одновременно является садом с ручьем и зеленью, типовой офис с перегородками плавно перетекает в фантастический аквариум, а стандартные кассовые окна за отсутствием оператора теряют свое функциональное значение. Заглянув в них, можно увидеть знакомую обстановку пунктов выдачи чего угодно, будь то деньги, билеты, договора по покупке недвижимости — всего, чем хотел бы обладать универсальный потребитель. Вот только ни за одним окошком зритель не найдет никого, кто мог бы предоставить ему желаемое. Кроме инсталляции на выставке будут продемонстрированы серии фотографий, графических и живописных работ художницы.

….

 

….  Part of the paper window installation.  ..  Фрагмент инсталляции.  ….

….

Part of the paper window installation.

..

Фрагмент инсталляции.

….

….

Typical pop-art techniques as citation, copying, and collage are characteristic for Shuvaeva’s work. She is reproducing life’s everyday routine by using objects that were found by chance and carefully preserved. Creating copies of routinely objects, she can multiply them until they lose figurativeness and become an abstract pattern. Or remove the superfluous from something existing, creating a space for imagination. A series of Shuvaeva’s collages combines office paper blanks with hotel sea views from tourist brochures, but hotels are cut out, creating a vacant place for a private “dream house.”

Sveta Shuvaeva’s exhibition is another step in the partnership of MMOMA and Smart Art, aimed at the support of youn artists.

..

Среди характерных приемов Шуваевой можно отметить свойственные поп-арту цитаты, копирование и коллаж. Она обращается к воспроизведению повседневности, использованию случайно найденных и бережно собранных объектов. При создании копий обыденных предметов она может размножить их до практически полной потери фигуративности, в итоге получая абстрактный орнамент. Или убирает лишнее из уже существующего, оставляя простор для воображения: как в случае с серией коллажей, где офисные бланки соединяются с морскими пейзажами из туристических буклетов, но рекламируемые отели вырезаны, освобождая в пустующих пробелах место для личного дома мечты.

 

Выставка Светы Шуваевой продолжает стратегическое партнерство ММОМА и компании Smart Art, направленной на поддержку молодого искусства.

….

 

….  Svetlana Shuvaeva with a part of the installation  ..  Светлана Шуваева с фрагментом инсталляции  ….

….

Svetlana Shuvaeva with a part of the installation

..

Светлана Шуваева с фрагментом инсталляции

….

Sergey Sapozhnikov / DANCE..Сергей Сапожников / Танец

….

15 Septemer - 17 June 2018

..

15 сентября- 17 июня 2018

….

34367404_2202891393059247_2652294570460577792_n.jpg

….

Московский музей современного искусcтва представляет персональную выставку Сергея Сапожникова. Экспозиция строится вокруг художественной серии работ DANCE (Танец), которая рассказывает зрителю историю любви через пластику экспериментального танца, используя субкультурные эстетические коды в контексте современного искусства и демонстрируя, как театральные декорации и театрализованные представления становятся частью урбанистического ландшафта.

В основе выставочного проекта DANCE лежит творческое взаимодействие
Сергея Сапожникова и танцора Александра Кислова, когда художник становится хореографом, постановщиком и конструирует новую реальность, а танцевальные импровизации и движение в пространстве превращаются в серию живописных произведений. Их совместная работа представляет собой исследование возможностей современного танца в сочетании с визуальной традицией городских субкультур и постановочной фотографией.

Сергей Сапожников, начинавший как граффити-райтер, хотя и давно отошел от навязываемых этим течением стилистических канонов, заимствует у уличной культуры не только визуальный ряд, но и теморальность. Для каждого кадра он конструирует пластическую ситуацию в пространстве, фиксируя ее состояния. И так же как и в уличном искусстве, в работах Сергея Сапожникова сохраняется эффект случайности и предусмотрено пространство для импровизации. В уличной культуре отсутствие предсказуемого результата обусловлено непрогнозируемостью взаимодействия с городской средой, тогда как в серии DANCE оно возникает вследствие взаимодействия художника с поглощенными пластическим экспериментом танцорами. Для Сергея Сапожникова этот проект стал лишь первой попыткой осмыслить далекую от идеалов и заповедей классического художественного образования эстетику, которая во многом сформировала его поколение.

Масштабная персональная выставка стала логичным продолжением долговременного сотрудничества, связывающего музей с художником. Сергей Сапожников является постоянным участником групповых проектов ММОМА: его работы были показаны в рамках выставки «Взаимодействие: взгляд современных художников на коллекцию ММОМА» (2016), а ранее на выставках «Детектив» (2014), куратором которой выступал Валентин Дьяконов, «Музей с предсказаниями» (2014) и в крупномасштабном мультимедийном проекте «История российского видеоарта. Том 3» (2010). Первая работа Сергея Сапожникова появилась в собрании музея еще в 2011 году.

….

фотография из серии DANCE

фотография из серии DANCE

На выставке DANCE будут представлены фотографии, видео, инсталляции, созданные Сергеем Сапожниковым и Александром Кисловым в течение совместной трехлетней работы. Кроме того, в экспозиции будут проходить перформансы Александра Кислова и экскурсии художника.

инсталляция Сергея Сапожникова

инсталляция Сергея Сапожникова

АЛЕКСАНДР КИСЛОВ
Александр Кислов (родился в Ростове- на-Дону в 1987 году) — выпускник Краснодарского Государственного Университет Культуры и Искусств (КГУКИ) факультет Хореография/Классический танец. Танцор-художник, в прошлом из- вестный на мировой сцене танцор брей- кинга. На сегодняшний день занимается изучением и практикой в сфере экспери- ментального танца, исследуя пластические возможности тела.

34189753_2202891356392584_6527823022554873856_n.jpg
34284593_2202892719725781_7809372840557281280_n.jpg

Daria Irincheeva / Empty Knowledge..Дарья Иринчеева / Пустое знание

....

7 September – 22 September 2017

..

7 сентября – 22 сентября 2017

....

UNADJUSTEDNONRAW_thumb_ad9c.jpg

....

Daria Irincheeva was born in 1987 in Leningrad (St. Petersburg) growing up in a post-Soviet Russia, a state of socio-economic dysfunction, instability, and disillusionment. She takes reflections on these times as a point of departure, as a method of thinking through failure. For Irincheeva, the topics of crash, collapse and the fragility of large complex systems are beautiful, loaded concepts, evidence of the cyclical nature of human history and personal experience.
A true builder, Irincheeva works with common construction materials: bricks, wood, paint chips, linoleum samples, cement and construction paper. Sometimes an air plant will make an appearance. Through her transformative process, her compositions elevate tough, unremarkable elements into poignant, poetic arrangements. Absurdity and unexpected humor enters and the thin Beckettian line between tragedy and comedy is crossed.

Daria Irincheeva:

"Empty Knowledge is an ongoing project that consists of approximately 90 paintings, per series. I use all sides of the canvases (except their backs) to partially recreate books from my childhood, spent in Russia during the Perestroika period of the 1990’s. Each canvas stands for a book that exists in my country house near St. Petersburg, however with selected elements of the actual book’s graphic design omitted as a gesture towards the ‘empty’ aspect of the knowledge contained within. Most of the books I was growing up with contained what at the time had become outdated information from the Soviet era, and were not usable as accurate sources of information after the collapse of the Soviet Union. I further transform this painting project into a sculptural one by placing the canvases as books in stacks, or showing them just as they are, on several bookshelves. As mentioned above, this is an ongoing project that currently exists in 3 individual series of approximately 90 paintings. The 3 individual series are dated 2012, 2014 and 2016 respectively".

The exhibition curator, Anna Komar, was also one of the creators of the exhibition catalogue published by "City Print". It includes all the illustrations of Daria`s paintings and Anna`s link "The Issues of Legibility and Exchange in Daria Irincheeva`s Empty Knowledge" that is dedicated to Daria`s creative approaches.

..

Дарья Иринчеева родилась в 1987 году в Ленинграде (Санкт-Петербург). Росла в постсоветской России — стране социально-экономической нестабильности, проблем и крушения надежд. Изучая этот период, Дарья использует его как отправную точку для осмысления произошедшего краха. Темы распада, разрушения и хрупкости больших и сложных систем становятся для художницы красивыми и преисполненными смысла концепциями, свидетельствующими о цикличности как истории человечества, так и личного опыта.

Будучи настоящим творцом, Иринчеева много работает с распространенными строительными материалами — кирпичами, деревом, бумажными образцами краски и образцами линолеума, цементом и строительным картоном. Иногда среди них можно обнаружить воздушные растения. Результатом сочетания всех этих повседневных элементов являются конструкции, обладающие пронзительным и поэтическим смыслом. Абсурдность и неожиданный юмор помогают преодолеть тонкую беккетовскую линию, отделяющую трагедию от комедии.

"Пустое знание" — это бессрочный проект Дарьи, состоящий на данный момент из нескольких серий и порядка 90 картин. Используя холст и краски, она воссоздает образы книг из своего детства, которое прошло в годы перестройки в России. Каждое полотно автора представляет одну из книг с полок в ее загородном доме под Санкт-Петербургом, отдельные элементы графического оформления которой в процессе воспроизведения опускаются. Это своего рода указание на "пустоту" знания, содержащегося внутри. Большинство книг, на которых росла Дарья, содержали уже устаревшие на тот момент сведения из советских времен и использовать их в качестве достоверных источников информации было нельзя.

Тем не менее, все работы автора из этой серии, отсылают зрителя в советскую эпоху. Кто-то вспомнит школьную библиотеку 70-80-х, а кто-то домашнюю полку со старыми книгами в тканевом переплете. Трансформация советского наследия в рамках этой выставки прошла успешно – то, что кажется теперь ненужным и бессмысленным, обрело новую жизнь и интерпретацию.

Из живописного проект частично трансформировался в скульптурный, так как холсты-книги экспонируются на книжных полках по одной или целыми стопками.

Куратором выставки "Пустое знание" выступила Анна Комар. Она также является создателем каталога, изданного типографией "Сити Принт". Каталог включает иллюстрации всех картин с образами книг, а также статью Анны "Проблема считываемости и обмена в серии Пустое Знание Дарьи Иринчеевой", посвященную объяснению творческого подхода Дарьи.

....

Sergey Sapozhnikov / The Drama Machine..Сергей Сапожников / The Drama Machine

....

24 January – 10 March 2017

..

24 января– 10 марта 2017

....

....

Sergey Sapozhnikov was born in 1984 in Rostov-on-Don. He is one of the most prominent representatives of the new generation of Russian artists. His works have been exhibited internationally. His art focuses on photography as a medium. Sapozhnikov explores the specific features of photography through its interaction and interrelation with other genres of contemporary art, such as installation and performance.

The inspiration behind Sapozhnikov’s series of works displayed at the exhibition was a historic building in his hometown – M. Gorky Drama Theatre. Designed by architects Vladimir Shchuko and Vladimir Gelfreikh in 1930, this masterpiece of Russian Constructivism was built in the shape of a tractor. The artist was inspired both by the symbolism of this cultural object and its historic journey through time. It is no surprise then that The Drama Machine is a multifaceted project. Using today’s look of the building and the events linked to its history, Sapozhnikov has created a complex narrative, built up dramatic composition, revived the spirit of this place and its poetry to use them as a backdrop for a performance that becomes a mirror to utopias, dreams, failures and rebirths.

Avoiding strict documentary approach, the artist starts with a three-dimensional object and creates an installation inspired by the building itself and the shapes of Constructivism. The object turns into a stage for a dual performance act: by actors who exist inside the installation and by the photographer who plays around with perspective, editing, lighting and colour in a cinematic manner.

This blurred vision enhances the artificial nature of the image that serves as an instrument, an intermediary in the formation process of the undefined space between an object and an abstraction, drama and reality. Sapozhnikov experiments with all possible characteristics and, ultimately, with the very nature of a photographic image.

The exhibition curator, Irene Calderoni, is a curator at the foundation for contemporary art, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin, Italy). The exhibition catalogue, published by Marsilio Editore, includes texts by architectural historians and art critics, dedicated to Gorky Drama Theatre in Rostov-on-Don.

..

Сергей Сапожников родился в Ростове-на-Дону в 1984 году и сегодня является одним из самых ярких представителей нового поколения российских художников. Его творчество было представлено на различных международных выставках. Он сосредоточен на фотографии как медиуме, исследуя ее специфику через взаимодействие и соотношение с другими жанрами, в том числе – инсталляцией и перформансом. 

Источником вдохновения для представленной серии работ послужил памятник архитектуры его родного города – Драматический театр им. М. Горького. Спроектированный архитекторами Владимиром Щуко и Владимиром Гельфрейхом в 1930-м году, этот шедевр русского конструктивизма и знаковый объект городского ландшафта построен во впечатляющей форме трактора. Автора вдохновило как само по себе символическое существование этого архитектурного объекта, так и его история, трансформации во времени. Это побудило Сапожникова к созданию многогранного проекта: отталкиваясь от сегодняшнего облика здания и событий, связанных с его историей, развить сложное повествование, выстроить драматургию, способную пробудить дух места, его поэтику как сцены для представления, которое само одновременно является зеркалом утопий, мечтаний, неудач и перерождений.

Избегая строго документального подхода, художник начинает с пространственного объекта и создает инсталляцию, идея которой навеяна самим зданием и формами конструктивизма. Объект превращается в сцену для двойного перформативного акта: актеров, существующих внутри инсталляции, и фотографа, играющего с перспективой, монтажом, светом и цветом в кинематографической манере.

Эта расплывчатость видения усиливает искусственную природу образа, который служит инструментом, посредником в процессе формирования неопределенного пространства между предметом и абстракцией, драматургией и реальностью. Сапожников экспериментирует со всеми возможными свойствами и, в конечном итоге, с самой природой фотографического изображения.

Куратор выставки Сергея - Ирене Кальдерони – является куратором Фонда современного искусства Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Турин, Италия). Каталог выставки, изданный Marsilio Editore, включает тексты историков архитектуры и критиков, посвященных Драматическому театру им. М. Горького в Ростове-на-Дону. 

....